Ledongil - Pale Blue

Designer

Ledongil

Materials

Steel

Location

Seoul, South Korea

Type

Interview, Studio Visit

Contact

ledongilworkshop.com

@ledongil_workshop

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HYUNHEE KIM

Ledongil’s work is the output of countless meditations on life, art, and function. With his work ranging from furniture and interior design to audio systems and fragrances, he is able to capture various emotions and experiences by engaging all of your senses. His attention to detail can be seen from every angle and the methods and thought process behind his work draw from rich references and contexts. We spoke to Ledongil at his studio in Seoul to learn more about his work.

Tell us about how you got into furniture design.

나는 어린 시절 현대미술을 하려고 준비했지만 생계나 현실적인 경제적 활동을 위해 대학교를 실내인테리어 학과로 가게 되었다. 하지만 결국 중퇴를 하게되었고 좀더 자유로운 환경에서 디자인과 미술적 실현을 하고싶어 스튜디오를 오픈(Studio Unravel) 하고 다양한 디자인을 실현시켰다. 처음에는 도전적으로 조각처럼 오브제적인 모습으로 작업을 해오다 최근에는 합리성과 실용성의 필요성을 느끼고 가구에 ‘기능적 오브제’라는 나만의 형식을 부여하여 작업하고 있다.

I studied to pursue modern art when I was young, but ended up going to college for interior design to make a living and for realistic economic reasons. However, I ended up dropping out because I wanted to design and realize art in a freer environment, so I opened a studio (Studio Unravel) and created various designs. At first, I tried to challenge myself by creating sculpture-like objects, but recently, I felt the need for rationality and practicality, so I have been working by giving furniture my own form called ‘functional object’.

Many of your designs and interiors use metal as a main material. What draws you to this material?

금속은 나에게 있어 매우 합리적인 소재다. 자유변형이 가능하고 물질로서 가장 원초적인 힘을 지니고 있기도 한다. 그것은 어떤 가공을 하느냐에 따라서도 그 물성을 감출수도 드러낼수도 있는 특징을 지닌다. 이소재로 나는 모든 물건을 만들수있고 다른 재료들의 조합을 통해 더욱 풍부하게 재료들을 탐닉하고 만들어나가고 있다. 최근에 작고한 리처드 세라(Richard Serra)가 대단한 영감을 주었듯이 나는 수많은 현대미술과에게 영향을 받았고 그 재료들을 어떻게 사용해야하는지 배웠다. 금속으로 인테리어의 마감부터 선반이나 익숙한 가구들을 만들기도 하지만 최근에는 스피커를 디자인하기도 했고, 묵직한 의자를 만들기도 했다.

Metal is a very rational material to me. It is freely transformable and has the most primitive power as a material. It has the characteristic of hiding or revealing its properties depending on how it is processed. I can make all kinds of things with this material, and I am exploring and creating materials more richly through combinations of other materials. Just as the late Richard Serra was a great inspiration, I was influenced by many modern artists and learned how to use those materials. I use metal to finish interiors, make shelves, and familiar furniture, but recently I have also designed speakers and made heavy chairs with this as well.

Many of your works are minimalistic and focus on raw materials, what does minimalism mean to you?

과거에 미니멀리즘 작가들은 물질자체로서의 의미, 가공하지 않은 상태에서의 원초적 상태, 작가의 개입없이 존재성을 드러내는 것이라고 배웠지만 사실 작가들은 입맛에 맞는 가공을 해왔고, 작가가 수없이 개입하여 배열을 하였고, 물질자체로서 의미가 더 중요하다고 동양적 사상을 이입한 사조였다고 생각한다. 그리고 지금의 내가 느끼는 미니멀리즘은 현대에서 창작의 본질이 훼손된 죄의식을 외면하려는 시도가 포함되어있다고 생각된다. 왜냐하면 그것은 앞서 말한 본질로서의 확립이 가능하게 잘 포장된 미니멀리즘의 단어를 사용하는것은 안전한 선택이자 가장 기본단위의 변형이기에 복제,아류의 이슈에서 벗어날 수 있기 때문이다. 그런 의미에서 이미지적 취향이 미니멀리즘을 따른다고 볼수 있지만 미학적인 취지에서는 미니멀리즘을 탐구하고 재정립시켜야할 가치의 대상으로만 볼 뿐 실제적으론 탈구조주의에 가까운 입장적 견해를 갖고 있다.

In the past, minimalist artists were taught that minimalism referred to the focus on the material itself, where the material remains in its original and unprocessed state and there was no intervention by the artists on the object’s existence. But in fact, artists processed it to their taste, intervened countless times to arrange it, and it was a trend in oriental thought that the meaning of material itself was more important. I believe that part of the minimalism that I follow now is an attempt to turn away from the guilt of the essence of creation being damaged in modern times. This is because it is a safe choice to use the word minimalism, which is well-packaged to enable the establishment of the essence mentioned above, and it is a transformation of the most basic unit, so it can escape the issue of replication and imitation. In that sense, it can be said that I follow minimalism in terms of visual preferences, but in terms of aesthetics, I see minimalism as an object of value that needs to be explored and reestablished, and in reality, it has a positional view close to poststructuralism.

Your work is not only visual and tactile but has grown to include audio systems and fragrances. What draws you to express these multisensory ideas through objects and interior design?

감각을 느낀 기억들을 되살려보면 우리는 가장 쉬운 방식으로 그 기억을 이해한다. 바로 이미지라고 생각되는데 우리는 그것을 언어로 표현할 수 없기 때문에 다른 감각의 영역으로 이해하고 있다고 생각한다. 우리가 표현하는 작업들은 그런면에서 논리적으로 나열할 수가 없다. 그래서 나는 내가 느끼는 감각적 표현을 물리적인 실체로 구현할 뿐이지 실제로는 그것을 반영하기 위해 다양한 감각기관에서 느꼇던 기억을 풀이하는 과정이라고 생각한다.

When we recall memories that are laced with emotion, we understand them in the easiest way. We think of them as images, but since we cannot express them in words, I believe we use our other senses to make sense of them. The works we express cannot be laid out logically in that sense. I only translate the sensory expressions I feel into physical entities, but in reality, it is a process of interpreting the memories felt by various sensory organs to reflect them.

In your design process, how important is it that what you make is handmade? What kind of people or resources do you work with to create your pieces?

당연히 이과정에는 많은 사람들이 개입되고, 기술력이 동원된다. 우리 팀은 꽤 많은 인원이 움직이고 있고 각 공정의 전문가들과 협업을 하고 있다. 스피커는 우리가 제작하기 위해 사운드 공학의 교수님과 그리고 제작에 필요한 기술의 자문을 얻어 제작되었다. 한편으로 조명과 같은 작업은 약1년간의 개발기간을 거쳐 디자인되었다. 소수를 위해 디자인된 작업이지만 그 과정에서 만큼은 우리도 새로운 도전이기에 문제가 안생기기 위해 신중하고 치밀하게 작업한다.

Naturally, many people are involved in this process, and technology is utilized as well. Our team has quite a few people moving around, and we collaborate with experts in each step of the process. The speakers were made with the advice of a professor of sound engineering and the technology needed for production. On the other hand, work such as lighting was designed after a development period of about a year. Although it was a work designed for a small number of people, it was a new challenge for us as well, so we worked carefully and meticulously to avoid problems.

Take us through the process of creating the Pure Elements series. What did the process of designing it look like?

그 전시는 대리석 업체와의 콜라보레이션을 통해 탄생한 작업들이다. 쓸모 없이 버려지는 폐 대리석을 가치있게 만들 수 없을까 라는 아이디어에서 시작되었으며, 그 개념은 나의 재미있는 상상력으로 구현되었다.폐 대리석들을 보며 쓸모없는건 무엇이고 쓸모있는건 무엇일까라는 인간의 가치와 실재의 세상의 가치의 모순이 굉장히 인간적 기만이라는 생각이 들었다. 모든 물질이 원시적인 상태가 존재하듯 우리가 사용하는 사물도 가장 원시적인 상태가 있었을것이라는 상상에 의해 만들어진 오브제들인데 나는 여기에 추가적인 의미를 부여하여 가장 원시적일때 가장 기만한 상태라는 입장을 부여하여 무겁고,쓸모없고,불편하고,이해안되는 방식으로 사물을 디자인하게 되었다. 그 결과는 예측할 수 없었고 그렇게 탄생된 작업물로 전시가 이뤄졌다.

The exhibition is a collaboration with a marble company. It started with the idea of whether we could make useless discarded marble valuable, and the concept was realized with my imagination. Looking at the discarded marble, I thought that the contradiction between human values and the values of the real world, which are about what is useless and what is useful, is a very human deception. Just as all materials exist in a primitive state, the objects we use must have existed in the most primitive state, and I gave them additional meaning, giving them the position that they are in the most deceptive state when they are most primitive, and designed them in a way that is heavy, useless, uncomfortable, and incomprehensible. The result was unpredictable, and the exhibition was created with the works that were born that way.

What is a piece that represents your design identity, and what was the process of creating it?

LWL1 조명은 덴마크의 브랜드 프리츠한센과 150주년 기념전시를 서울에서 개최하면서 특별작업으로 한국의 디자이너로 참여하여 조명을 디자인하게 되었습니다. 제가 평소에 갖고 있던 불안성과 우울의 증상을 시각화 하고 그것에 기능을 넣기위해 ‘연약한 구조’라는 개념을 이입하여 탄생된 작업입니다. 특이하게도 여러 구조체들이 중심을 연결하고 지탱하며 자립할수있게 하는 구조입니다. 그렇게 서로 연약한것들이 모여 하나를 이룰수있게 디자인되어 평소에 감정을 담은 기구를 만들고 싶었는데 이작업을 통해 저의 작업에 대한 사고를 확장하게 해주었습니다.

The LWL1 lighting was designed for the 150th anniversary exhibition in Seoul for the Danish furniture house, Fritz Hansen, where I participated as one of the Korean designers of the special project. This work was born by visualizing the symptoms of anxiety and depression that I usually had and applying the concept of ‘fragile structure’ to it to add function. It is a unique structure that connects and supports the center of several structures and makes them self-sufficient. It was designed so that fragile things can come together to form one. I had always wanted to create a device that contains emotions like this, and this was a piece of work that allowed me to expand my thoughts about my work.

We first found your work by stumbling upon the LWC1 chair. What is the story behind this chair?

이 의자는 사실 우리 스튜디오 로비에 두려고 디자인했던 작업이다. 그러나 차일피일 미루다 작업은 진행되지 않았고, 이 의자를 필요로 하는 사람이 먼저 나타나 그에게 만들어주게 됨으로서 목적성과는 다르게 디자인된 의자다. 하지만 이 의자는 더 의미있는 곳에 사용되었고 한국의 배우 류덕환씨가 기획한 전시에 수백명의 독백으로 이뤄지는 고백의 시간을 하는 자리로 사용되었다. 매우 단순한 금속과 쿠션하나로 이뤄진 작업인데 평상시 존경하는 마리아 퍼게이 (Maria Pergay)의 재료 사용법을 영감받아 디자인 되었다.

This chair was actually designed to be placed in our studio lobby. However, the work was postponed day after day and the work did not go anywhere, and we only ended up making it when there was a person that needed it, so it ended up being designed differently from its original purpose. However, this chair ended up being used in a more meaningful way and was used as a place for a confessional time consisting of hundreds of monologues in an exhibition planned by Korean actor Ryu Deok-hwan. It is a very simple work made of metal and a cushion, and it was designed with inspiration from the way Maria Pergay, whom I’ve always respected, uses materials.

You have said that the LWC1 chair was designed after an exploration of the works of designers like Maria Pergay, Isamu Noguchi, and other great designers. Could you tell us more about that? And what other designers do you look up to?

나는 창작의 영역에서 매우 독특한 자기세계관을 갖추고 모든 것을 만들어 낼 수 있는 창작자들을 좋아한다. 이사무 노구치, 카를로 스카르파, 칼 안드레, 폴 케홀름등의 디자이너,작가들을 좋아한다. 그들은 매우 모호하면서 명확한 자신들의 지침을 만들어내어 새로운 이미지적 언어를 만들어냈다.

I like creators who have a very unique worldview in the creative field and can create everything. I like designers and writers like Isamu Noguchi, Carlo Scarpa, Carl Andre, and Poul Kjærholm. They created their own guidelines that were both vague and clear, and created a new image language.

You’ve worked with global brands like Andersson Bell, PAF, Camper and others. How is your process different when designing spaces/objects for others versus for yourself? What are your thoughts on the overlap between the fashion space and the space you occupy?

영화 감독이 하나의 영화를 자신의 색깔만 입혀 만들지는 않는다고 생각한다. 여러 제작에 동원되는 창작자들과 그것을 표현해내는 배우와 제작자들이 있기에 가능하다고 보는데 우리가 표현하는 디자인은 그보다 작은 세계이긴 하겠지만 비슷한 맥락이라고 본다. 패션 브랜드의 세계관을 이해하고 그것의 정체성을 나의 이미지적 언어로 표현하는 것이기에 그들도 그리고 독자들도 흥미롭게 창작을 전폭적으로 이해해주고, 나의 사적인 작업이나 개인작업은 철저하게 내 방식을 고집하여 하나의 결과값으로 내기 위해 노력한다. 인테리어 디자이너라는 직업은 매우 타협적인 인물이되어야 할때가 많은데 사적인 작업은 그럴필요가 없어 이 밸런스는 나에게 유익하다고 볼 수 있다.

I don’t think a film director makes a film with only his own colors. I think it’s possible because there are creators who are mobilized for various productions and actors and producers who express them. I think the design we express is a similar context, although it may be a smaller world. Since it is about understanding the worldview of a fashion brand and expressing its identity in my own image language, they and readers understand the creation with interest, and for my personal work or individual work, I thoroughly insist on my own method and try to produce a single result. The job of an interior designer often requires a very compromising person, but I don’t have to do that for personal work, so this balance can be seen as beneficial to me.

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