You create sculptural furniture that exists somewhere between art and function, often using fragmented forms and mixed materials like plywood, steel, and clay. How would you describe your work to someone encountering it for the first time?

제 작업은 조각과 기능의 경계에 서 있습니다. 저는 이를 ‘결핍을 재구성하여 만들어내는 서사’라고 설명합니다. 파편화된 형태들이 다시 모여 기능과 조각이라는 두 가지 층위를 통해 새로운 가능성에 대한 이야기를 전달합니다.

My work stands at the boundary between sculpture and function. I describe it as ‘a narrative reconstructing deficiency’. Fragmented forms reassemble to deliver a story about new possibilities, expressed through the two layers of function and sculpture.

Your recent solo exhibition was titled “After the CUT,” which seems to focus on what happens after something has been broken or fragmented. What drew you to explore this concept of reconstruction rather than creation from scratch?

전시 제목은 처참한 현장의 뉴스 속 ‘after the event’라는 표현에서 영감을 받았습니다. 이미 상황이 끝나버린, 손쓸 수 없는 사건 이후의 상태를 설명하는 장면을 보며 시간을 ‘순간’의 쪼개진 파편으로 인식하게 되었습니다. 처음부터 새로 만들어내는 것(Creation from Scratch)와 흩어진 조각들을 이어 붙여 재구성하는 것은 완전히 다른 개념입니다.

저는 뉴스의 그 순간들처럼, 우리의 삶과 세계가 결핍, 우연, 실수의 흔적들이 모여 전체를 이루는 경우가 훨씬 많다고 봅니다. 세상의 모든 것은 큰 흐름 속에서 끊임없이 ‘재구성’되어 가는 것이지, 완전히 ‘0’에서 시작되는 것은 없다고 믿습니다. 저의 작업 과정 또한 계획대로 온전히 되지 않고 끊임없이 ‘재구성 과정’을 거쳐 완성됩니다.

The exhibition title, “After the CUT,” was inspired by the phrase ‘after the event’ seen in news reports of devastating scenes. Witnessing scenes that describe a situation already over and beyond repair led me to perceive time as fragmented pieces of ‘moments’.

Creation from scratch is fundamentally different from reassembling scattered fragments through reconstruction. I believe that, like those news moments, our lives and the world are much more often formed by traces of deficiency, contingency, and error. Everything in the grand scheme is constantly being ‘reconstructed’, not starting entirely from ‘zero’. My own working process is no different; it never proceeds exactly as planned and is completed only after going through continuous ‘reconstructive processes’.

You’ve mentioned that you deliberately avoid using perfect shapes like squares or circles in your work, instead working with what you call “incomplete, segmented signs.” What’s the story behind developing this approach to form?

저의 초기 작업은 점, 선, 면과 같은 기본적인 조형 기호에서 출발했습니다. 여기에 제가 직접 손으로 눌러낸 흔적을 결합하며 형태를 발전시켜 나갔습니다. 작업에 등장하는 저의 ‘손자국’ 표면은 곧 ‘시간과 사건이 남긴 흔적’을 상징합니다. 저는 이러한 흔적을 형태적으로도 표현하고자 했고, 그 결과 완전한 도형보다는 불완전하고 분절된 기호의 형태를 취하게 되었습니다. 이러한 각 파편적 형태를 더욱 돋보이게 하기 위해, 저는 흑백의 강한 대비감을 활용하고 있습니다.

My approach to form began with basic plastic signs such as points, lines, and planes. I initially developed the forms by combining them with traces I pressed with my hand. I regard the surface of the ‘handprint’ that appears in my work as symbolizing the ‘traces left by time and events’.

As I sought to express these traces formally, I naturally adopted the forms of incomplete, segmented signs instead of perfect shapes. Furthermore, I utilize strong black-and-white contrast to accentuate these fragmented forms.

Could you walk us through your process of building one of your works, from initial concept to finished piece?

저의 작업은 끊임없는 ‘재구성 과정’ 그 자체입니다.

1. 파편적 구상: 작업은 분절된 기호들을 2D로 조합하고 창작하는 수많은 스케치에서 시작됩니다. 이 단계에서는 완벽한 목표를 정하기보다, 파편적인 형태들 간의 새로운 가능성을 탐색하는 데 집중합니다.

2. 유기적 재구성: 이 구상을 기반으로 오토캐드, 3D 프로그램 등을 오가며 구체화합니다. 흥미로운 점은, 어떤 파편은 여기서 붙고 저기서 떨어져 나가며 끊임없이 그 조합을 바꾼다는 것입니다. 하나의 형태가 다른 파편과 만나 새롭게 연결되고 분리되는 유기적인 재구성의 단계를 계속해서 거칩니다.

3. 물성과 대조: 형태가 완성된 후, 각 ‘형태성’에 맞는 물성을 각 파편에 부여하며 재료를 결정합니다. 저는 합판, 철, 점토 등 이질적인 재료들 간의 강한 대조를 통해 각 형태간의 아웃라인을 더 확고히 하고자 합니다.

My work is, in itself, a continuous ‘reconstructive process’.

1. Fragmented Conception: The work begins with numerous sketches combining and creating segmented signs in 2D. At this stage, instead of setting a perfect goal, I focus on exploring new possibilities among the fragmented forms.

2. Organic Reconstruction: Based on these conceptions, I materialize the forms using AutoCAD and 3D programs, moving back and forth between them. What’s interesting is that some fragments attach here and detach there, constantly changing their combination. The work goes through continuous organic reconstruction, where one form meets another fragment to be newly connected and separated.

3. Materiality and Contrast: After the form is finalized, I determine the materials by assigning a material property that suits the ‘formality’ of each fragment. I actively utilize strong contrast between heterogeneous materials, such as plywood, steel, and clay, to solidify the outline between each form.

You studied both sculpture and furniture design, which seems to create an interesting tension in your practice. How do you decide whether a piece should lean more toward being functional furniture or purely sculptural?

저에게 조각은 그 자체로 하나의 완결된 서사적 형태이고, 기능은 형태가 가진 구조적 가능성이 외부로 발현된 결과라고 정의합니다.

기능성 유무를 결정하는 조건은 ‘구조’입니다. 저는 형태가 먼저 도출된 후, 그 형태가 구조적으로 기능성을 가질 수 있을 때만 기능을 부여합니다. 즉, 기능은 처음부터 전제하는 것이 아니라 형태와 구조에 따라 자연스럽게 따라오는 후행적 결과입니다.

예를 들면, 부조 조각과 벽 선반을 구분하여 작업하지 않았습니다. 스케치 속 형태들 중 선반의 획처럼 구조적 지지 가능성이 보이면 벽 선반이 되고, 그렇지 않다면 순수한 조각으로 남는 식입니다. 결국 저에게 가구와 조각의 경계는 고정된 것이 아니라, 구조적 가능성과 맥락 속에서 유동적으로 결정됩니다. 이것이 제 작업들이 가구이면서도 조각적으로 느껴지는 이유일 것입니다.

I define sculpture as a complete narrative form in itself, and function as the result of the form’s structural possibility externally manifested.

The condition that determines the presence of functionality is ‘structure’. After the form is derived first, I assign function only when the form can structurally support it. In other words, function is not a prerequisite but a subsequent result that naturally follows the form and structure.

Due to this approach, I do not differentiate between bas-relief sculpture and a wall shelf from the outset. If a fragmented form in a sketch shows structural support possibility like the stroke of a shelf, it becomes a wall shelf; otherwise, it remains a pure sculpture. Ultimately, the boundary between furniture and sculpture is not fixed for me but is fluidly determined within the structural possibility and context. This is why my works feel sculptural even while being furniture.

Your work spans from gallery sculptures to commercial installations like the recent CHARLES & KEITH flagship store project. How do you adapt your artistic vision when working in different contexts?

상업 공간 설치 작업의 경우, 공간 자체가 먼저 주어진 조건이 됩니다. 저는 옥상의 하늘, 주변 환경, 브랜드 요소, 또는 건축물의 특이점 등을 철저히 분석하고, 작품을 공간에 끼워 넣는다는 느낌보다는 ‘남은 공간의 보이드(Void)를 조각하는 개념’으로 접근합니다. 이미 존재하는 공간의 흐름을 깎아내거나 채워 넣으며, 작품이 그 공간의 일부이자 완성처럼 느껴지도록 맥락적 연관성을 부여하는 것이 목표입니다.

이와 달리 갤러리나 개인전에서는 작품 개별 그 자체에 절대적인 우선순위를 둡니다. 이는 마치 외부의 간섭 없이 ‘작품과 창작자 둘만 존재하는 소조(Additive Sculpture) 작업’과 같습니다. 저는 다른 요소를 배제하고, 오롯이 이 작품 자체의 아우라와 서사를 구축하는 데 집중합니다. 공간과의 관계는 작품이 완성된 이후의 설치 단계에서만 고려될 뿐, 구상 단계는 집요하게 작품 자체에 몰두하는 시간입니다.

My work involves a ‘shift in attitude’ depending on the type of space, which can be broadly divided into two approaches:

Commercial Installation Work: In this case, I approach it with the concept of ‘sculpting the void of the remaining space’. The goal is to lend contextual relevance so that the work feels like a part and completion of the space, by carving out or filling in the existing spatial flow.

Gallery/Solo Exhibition: Conversely, in a gallery or solo exhibition, absolute priority is given to the individual work itself. This is akin to an ‘Additive Sculpture work where only the creator and the work exist’ without external interference. I eliminate other elements and focus solely on establishing the aura and narrative of the work itself.

Looking at your body of work, there’s a clear evolution in complexity and scale. What’s driving that development, and where do you see your practice heading next?

제 작업의 가장 큰 발전 동력은 저의 모든 창작적 선택과 그 결과에 대한 ‘책임감’입니다.

이 유동적인 재구성 과정 속에서 모든 선택(재료, 형태, 구조)은 저를 발전시키고, 더 깊은 표현 방식을 탐구하도록 이끕니다. 저는 단순히 새로운 기술이나 재료를 시도하는 것을 넘어, ‘흔적’과 ‘결핍’을 표현하는 방식에 대한 무궁무진한 가능성을 탐구하고자 합니다.

최근에는 흑백의 레이어를 겹겹이 쌓고 이를 다시 갈아내는 방식으로, 시간과 사건이 중첩된 흔적을 물리적으로 드러내는 새로운 표현을 시도하고 있습니다. 궁극적으로는 이러한 파편적인 형태와 구조를 통해 더욱 풍부하고 다층적인 서사를 만들어내는 방향으로 작업을 확장하고자 합니다.

The greatest driving force behind my development is the ‘sense of responsibility’ for all my creative choices and their results.

Within this fluid reconstructive process, every choice evolves me and leads me to explore deeper means of expression. Beyond simply trying new techniques or materials, I seek to explore the limitless possibilities in how to express ‘traces’ and ‘deficiency’.

Recently, I have been experimenting with a new expression by layering black and white layers and then grinding them down, physically revealing the traces where time and events are superimposed. Ultimately, I aim to expand my work in a direction that creates a richer and multi-layered narrative through these fragmented forms and structures.