Hyunhee Kim - Pale Blue

Designer

Hyunhee Kim

Materials

Acrylic, Aluminum

Location

Seoul, South Korea

Type

Interview, Studio Visit

Contact

kimhoney.com

@keemhoney

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SUNDO YOON

Hyunhee Kim uses her work to redefine historical Korean notions of womanhood, combining common materials and traditional furniture to highlight femininity through her pieces. She works the materials to glimmer or conceal, bringing an atmosphere of nostalgia and a wave of memories to any onlooker. Visiting her airy and bright studio, we had the opportunity to hear about her inspirations and the themes that drive her work.

How would you define your approach to design?

안녕하세요, 김현희라고 합니다.저는 주로 오래된 이미지나 낡은 생각들을 조합해서 새롭고 낯선 이미지를 만드는것에 관심이 있습니다. 저는 일상속 필수품이라 할수 있는 가구에 새로운 이야기를 담아 소외된 것들을 다시 일상속에 연결하고자 합니다. 현재는 한국 전통가구를 모티프 삼아 현대 사회에서 쉽게 찾아볼 수 있는 재료나 기법을 통해 새로운 이미지의 가구들로 재탄생시키고 있습니다.

I am mainly interested in creating new and unfamiliar images by combining old images and old ideas. I want to reconnect neglected things with everyday life by telling new stories through furniture, which can be considered a daily necessity. Currently, I am using traditional Korean furniture as a motif and am recreating it into furniture with a new image using materials and techniques that can be easily found in modern society.

You studied woodworking along with furniture design at university. How do you think this influences your approach to furniture and design?

제가 다녔던 학교는 기존의 공예학과와는 다르게 자신의 스토리를 가구라는 매체를 통해 표현하는법을 주로 가르쳤어요. 때문에 가구의 실용적인 부분 뿐만 아니라, 사람들의 아주 개인적인 공간에서 사용되며 영향을 받는 감성적인 부분을 어떻게 가구에 표현할것인가를 많이 배웠다고 생각해요. 뿐만 아니라 1,2학년때는 가구의 구조와 제작과정등 실기적인 부분을 주로 배우기 때문에 표현하고자 하는것을 어떻게 입체물로 만들것인지에 대한 감도 많이 배운것 같습니다.

Unlike other craft departments, the school I attended mainly taught how to express one’s story through the medium of furniture. Therefore, I think I learned a lot about how to express not only the practical aspects of furniture but also the emotional aspects that are used and influenced in people’s very personal spaces. In addition, since I mainly learned practical aspects such as the structure and production process of furniture in the first and second years, I think I learned a lot about how to make what I want to express into a three-dimensional object.

How important is it to you that what you make is handmade? Do you create everything yourself, or do you work with other people to create different parts and assemble them?

제 작업에서 가장 중요한것은 손으로 만들었냐, 아니냐 (공예집약적인 부분)보다는 가구에 제 삶의 서사가 들어가 있는지가 가장 중요합니다. 그렇기 때문에 공예/기술은 부차적이라 할수 있죠. 하지만 제 작업의 특성상 물성의 이해와 구조를 명확히 이해하여 가구로 만들어내는 작업을 해야하기 때문에 이부분도 매우 중요하다 할수 있는데, 제 작업은 주로 뼈대(프레임)은 공업/기계적인 방식으로 제작하고 그 이후의 조립-마감에 있어 수공예적인 부분이 매우 중요합니다. 개인의 서사를 바탕으로 수공예-기술의 활용이 적절한 밸런스를 맞추고 있다고 볼수 있겠습니다.

The most important thing in my work is not whether the furniture is made by hand or not (the craft-intensive part), but whether the furniture contains the narrative of my life. That is why craft and technology can be said to be secondary. However, due to the nature of my work, I need to clearly understand the material properties and structure to create furniture, so this part is still very important. My work mainly involves manufacturing the skeleton or frame using industrial/mechanical means and the handcraft aspect is very important in the subsequent assembly and finishing.

I work with experts to produce the frames and acrylic pieces. While I do all the detail work by hand for the accents, I have that can produce all the individual aluminum pieces using tools like laser cutters for me. So I don’t do everything by hand necessarily, but collaborate with different people who will create the parts. I feel it’s an outdated way of thinking to have every piece cut and shaped individually by one person, so I try to leave things that can be easily produced by modern technology to those experts, and focus on the important aspects that need to be handmade, such as the assembly and finishings on the pieces. In this way, based on the individual narrative, there is an appropriate balance between the use of handcraft and technology.

We love your White Nostalgia series. Could you take us through how you came to designing it?

White Nostalgia의 경우 개인적인 마음의 서사를 시작으로 진행한 작업입니다. 고향인 제주를 떠나 서울 이라는 사회 속에서 겪은, 어디에도 머물지 못하고 부유해야만 하는 몸과 마음의 권태를 오래 겪었어요. 그런데, 이런 부적응적 삶의 태도가 비단 저 뿐만 아니라 대부분의 현대 사회를 살아가는 사람들이 겪는 마음이 아닐까 하는 생각이 들었고, 이런 생각을 시작으로 우리 인간에게 내재 된 과거지향적이고. 관념적인 본능(Nostalgia)이 삶을 지속하는데 있어 어떤 긍정적인(White) 영향을 미치는가에 대한 탐구를 시작했습니다. ‘하얀 거짓말’이라는 단어가 있지요. 거짓말이란건 ‘나의 이익을 위해 사실과는 다른 말’을 하는것인데, ‘하얀’이라는 색의 속성이 붙는 순간 의미가 반대로 변해요. 저는 이 단어 속에서 ‘흰 색’이 주는 긍정적인 힘이 매력 있게 다가왔고, 저 또한 기억의 긍정적인 의미를 끌어오기 위해 흰 색을 빌어왔어요.익숙하고 퇴화된 한국 전통 가구의 이미지를 차용하여 하얗고 반 투명한 이미지로 변환하였고, 이 가구 속에 무언가를 담으면 흐릿한 안개처럼 잔상이 남는데 이게 마치 우리가 마음속에 떠 안고 가끔 꺼내보는 추억과 닮아 있다고 생각합니다.

In the case of White Nostalgia, the work began with a narrative of a personal mind. After leaving my hometown of Jeju and living in the society of Seoul, I experienced the ennui of body and mind for a long time as I had to float around and not be able to stay anywhere. However, I thought that this kind of maladaptive attitude toward life is something that not only I, but most people living in modern society experience. With this thought in mind, I began exploring how the past-oriented and ideological instincts (Nostalgia) inherent in us humans have a positive (White) impact on the continuation of life. There is a phrase called a ‘white lie’. Lying means ‘saying something different from the truth for one’s own benefit,’ but the moment the color attribute ‘white’ is attached, the meaning changes to the opposite direction. In this word, the positive power of ‘white’ appealed to me, and I also borrowed the color white to bring out the positive meaning of memory.

I borrowed the image of familiar and deteriorated traditional Korean furniture and converted it into a white and semi-transparent image. When you put something in this furniture, an afterimage remains like a hazy fog. I think this resembles the memories we hold in our hearts and retrieve from time to time.

How did you choose the material you use for this series and others?

I always start design with my identity and the story I want to tell. Then I look into the materials and do some research to see what would be the most appropriate material for telling the story. For me, I use acrylic as a material for a lot of my pieces because it’s something you can see commonly used in a lot of different aspects of life. It has its own associations in our society as an everyday material that isn’t very interesting in itself, so I wanted to combine this with the idea of traditional furniture to show it from a new perspective.

Contrary to the White Nostalgia collection, the Gyubang furniture shown at the Koen Gallery don’t use the translucent material. How is it different creating those pieces where you can see through it?

아마 보신 작업은 투명한것이 아니라, 벽이 아예 없는 작업일겁니다.이 규방 시리즈 작업은 White Nostalgia 시리즈 이전의 작업으로 조선시대 여성이 갇혀있던 ‘안방’ ‘규방(안방가구)’의 벽을 허물었을때 사람들의 프레임도 실제로 허물어지는가, 혹은 관념에 의한 벽이 남아있는가 ( 질문 주신것 처럼 투명한 유리가 있다고 생각하는 경우 ) 에 대한 탐구이며, 페미니즘적인 이야기가 주를 이루고 있는 작품입니다.

This Gyubang series work came before the White Nostalgia series, and has no walls at all. When the walls of the ‘main room’ and ‘gyubang (main room furniture)’ where women were confined during the Joseon Dynasty are torn down, do people’s frames actually break down, or do the walls created by notions remain? It is an exploration of these topics, and it is mainly a feminist story.

With all your pieces, you use aluminum accents that look beautiful in the different ways it catches the light. Is this something you intended, and how did you achieve this?

네. 알루미늄 장석의 디테일에서 중요한것은 알루미늄의 모서리가 45도로 깎여있어 빛을 받을때마다 반짝거리는 느낌을 준다는 것입니다. (알루미늄이 아닌 황동이나 아크릴의 재료등은 모서리를 깎지 않기도 합니다.)

Yes! The accents are made of aluminum feldspar, and the important thing in the details of this material is that when the corners of the aluminum are cut at 45 degrees, it gives a sparkling feeling whenever it catches the light. For materials other than aluminum that I use, such as brass or acrylic, I don’t cut the edges in this way.

You have a signature look that you are known for in your work. In what ways do you try to experiment, add something new, or improve upon the pieces you make, whether in the process or the way the way things look?

제 작업에서 가장 중요한 단 하나의 큰 스토리가 생성되고 나면 그 이후엔 스토리를 더 잘 표현하기 위한 여러가지 변주를 주게 되는데, 작품의 사이즈나 오픈 방식, 가구의 종류, 장식의 종류등을 변주하기도 합니다.

After creating the single most important story in my work, it gives me a number of variations to better represent the story, which sometimes includes variations in the size of the work, the way it is opened, the type of furniture, and the type of decorations.

Are there any particular materials you would be interested in working with in the future?

최근들어 지속가능한 미술재료와 과정에 대해 생각하게 됩니다. 기후 위기는 이제 더이상 외면할 수 없는 글로벌한 사회 문제이기도 하고, 그것을 표면위로 떠오르게 하는것이 예술의 역할이기도 하기 때문이지요. 하지만 저는 이런 환경과 사회에 대한 막중한 책임이 있음에도 다양한 일회용 플라스틱과 여러 화학 자재를 매우 많이 사용하고 있고, 이것에 대한 여러 죄책감이 있습니다. 올해에는 이런 버려지는 재료를 가지고 또 하나의 새로운 스토리를 만드는것에 집중하고 있습니다.

Recently, I’ve been thinking about sustainable art materials and processes. The climate crisis is a global social problem that can no longer be ignored, and it is the role of art to bring it to the surface. However, even though I have a huge responsibility for the environment and society, I still use a lot of disposable plastics and different chemicals, and I have a lot of guilt about this. This year, I am focusing on creating another new story using discarded materials.

From your experience, what is the process like working with brands like Rimowa versus creating pieces for a gallery or your own work?

제작 과정에서 크게 다른것은 없다고 봅니다. 다만 개인의 작업의 경우, 제 과거나 현재의 환경속에서 말하고자 하는 내용을 포착해서 오랜기간 연구(짧게는 1년-길게는 3년까지도) 구상하여 새로운것을 만드는거라면, 기업과의 협업은 주로 제가 이미 발표한 작품을 보고, 기업과 작품의 연결고리를 만드는것을 제안하는것이니 협업의 경우는 이미 만들어진 제 작업세계와 브랜드의 아이덴티티,가치를 포착하여 교집합을 이루는 과정입니다.

I don’t see much difference in the production process. But in the case of individual work, if I’m trying to capture something I’m trying to say about my past or present environment and create something new by working on it for a long time (from a short year to a long three years), collaborating with a company is mainly about looking at the work I’ve already published and proposing to make a connection between the company and the work. Collaboration is the process of capturing the identity and value of my work world and the brand that I’ve already created and making an intersection.

It is really refreshing to see female designers in furniture. What is it like being a female designer in Korea? Do you feel there are many obstacles or support structures as a woman in design?

처음 시작할때는 물리적-경제적으로도 매우 부담이 되는 일이였고, 지금도 부담이 전혀 안 된다고 할 수 없지만 제가 하고싶은 이야기들의 중심에는 결국 여성성이 뿌리로 자리잡고 있습니다. 때문에 제가 가지고 있는 여성적 감정을 표현하기 위해 여성의 물리적 조건에 싸우고 저항하는, 크고 무거운 작업을 하는것 자체가 제가 가지고 있는 진정한 여성성 (저는 이럴때 주로 남성적 여성이라는 표현을 생각합니다.)을 표현하는것 같아 이 일을 계속 하는것 같습니다.

It was very demanding physically and financially when I first started, and I can’t say it’s not a burden even now, but femininity is ultimately at the root of all the stories that I want to tell. Therefore, in order to express the feminine emotions I have, doing large and heavy work that fights and resists the physical conditions of women seems to express my true femininity (which sometimes makes me think of the expression “masculine woman”), and this is why I keep doing this work.

What are some other things outside of design and art that influence you?

제게 가장 큰 영향을 주는것은 시각적인 부분보다는 문학이 더 큽니다. 문학에서는 과거의 역사적 사료를 가지고 너무나 많은 부분에 입각하여 해석한 스토리들이 넘쳐납니다. 저는 그것을 통해 현재와 미래의 가능성을 모색할 수 있습니다. 그리고 이보다 더 중요한것은 아무래도 제가 살아온 문화적-자연적 환경일 것입니다.

What influences me the most is literature rather than things that are visually inspiring. Literature is full of stories that have been interpreted based on so many aspects of historical sources of the past. Through it, I can explore the present and future possibilities. And more important than this in terms of influence is probably the cultural-natural environment that I’ve lived in.

As a designer in Korea, what do you think makes Korean furniture design unique?

한국의 가구-건축 디자인이 매우 흥미로운 점은 일본의 디자인 양식과 달리, 수리적으로 계산된 도면이나 레시피등이 명확하지 않고 가구/건축이 사용되어지는/만들어지는 지리적 환경, 사용자의 니즈에 따라 재료와 모양이 항상 달라졌다는 점입니다. 대량생산과는 전혀 반대되는 개념이죠. 그렇기 때문에 한국의 디자인 역사 자체가 매우 짧기도 하고, 하나의 양상으로 묶어 교육될수 없는 이유기도 합니다. 하지만 그렇기 때문에 시시각각 변화하는 환경에 따라 많은것을 조합하고 엮고 변화하여 새로운 혼종을 만드는것이 한국의 디자인 강점입니다. 이것이 외부로 하여금 현대의 한국 디자이너들이 만드는 것들이 매우 독특하고 재미있게 여겨지는 부분인것 같습니다.

What is very interesting about Korean furniture-architectural design is that, unlike Japanese design styles, there are no clear mathematically calculated drawings or recipes, and materials and shapes always vary depending on the geographical environment in which furniture (or architecture) is made and the user’s needs. It’s the complete opposite of mass production. This is why Korea’s design history itself is very short and cannot really be taught or talked about in one unified way.

However, that is why Korea’s design strength is to create new hybrids by combining, weaving, and changing many things according to the ever-changing environment. This seems to be what makes the work made by modern Korean designers so unique and interesting to the outside world.

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