Growing up in Seoul, you experienced a blend of historic architecture and contemporary urban life. How have these contrasting environments shaped your design approach?

제가 사는 서울은 과거와 현재가 공존하는 독특한 매력을 가진 도시입니다. 600년이 넘는 역사를 자랑하며, 도시 곳곳에 조선시대부터 이어져 내려온 많은 유적지와 문화재를 보유하고 있습니다. 전통과 현대가 조화를 이루며 발전된 도시죠. 실재로 저는 경복궁 근처에 한옥에 거주합니다. 작품을 변화시키고 발전시키려는 노력을 하다보면 현대적이고 대중적인 것들에 대해서도 고민하게 되는데, 그러다보면 주변에 오래된 것에서 새로움을 발견하기도 합니다. 부각시키고자 하는 미적 요소를 현대적인 것, 개인적인 것과 접목 시켰을때 그 아름다움이 더욱 극대화 되는 거죠. 전통적인 것이 구시대적인 것이라는 인식에 머무르지 않고 새로운 가치를 창출하는데 활용할 수 있습니다.

또한 서울은 정말 빠르게 변화하고 발전하는 도시입니다. 새로운 트렌드가 빠르게 도입되고, 도시의 인프라와 서비스도 계속해서 혁신되고 있습니다. 가끔은 이런 점들이 서울에 사는 사람들을 지나친 경쟁사회에 놓여지게하고 지치고 무기력하게 만들기도 합니다. 하지만 그렇기 때문에 서울은 항상 역동적이고 젊은 에너지를 느낄 수 있는 도시가 되기도 했어요. 항상 새로운 일들을 도모하며 다이나믹하죠. 저 또한 이 곳에서 다양한 자극을 받으며 끊임없이 새로운 것들을 시도합니다.

Seoul is a city with a unique charm where past and present coexist. With over 600 years of history, the city holds many historical sites and cultural heritage from the Joseon Dynasty. It’s a city where tradition and modernity are in harmony. I actually live in a hanok near Gyeongbokgung Palace. When I try to transform and develop my work, I find myself contemplating modern and popular elements, and in doing so I often discover newness in old things around me. When I combine aesthetic elements I want to emphasize with modern and personal elements, I find that the beauty is maximized. Traditional elements need not be seen as outdated but can be utilized to create new value.

Additionally, Seoul is a rapidly changing and developing city. New trends are quickly adopted, and the city’s infrastructure and services are constantly innovating. Sometimes these aspects can place Seoul’s residents in an overly competitive society, making them tired and lethargic. However, this is also why Seoul remains a city where you can always feel a dynamic and youthful energy. It’s always dynamic, trying to pursue new things. I also continuously try new things while being stimulated by the city.

After working in both European and Korean design scenes, how do you navigate between these two scenes known for a difference in design sensibility and approaches?

프랑스에서 미술 교육을 받으면서 놀라웠던건 무언가를 정확하게 정의하면서 시작하지 않는다는 것이었어요. 정해진 틀이나 룰이 희미하다는 것은 어떤 아이디어를 발전시키는 과정에서 사고하는 방향이나 방식이 굉장히 열려 있다는 것을 의미합니다. 그것은 무언가를 창조하는데 개념적으로나 방법적으로 더욱 다채롭게 접근할 수 있도록 돕습니다. 그리고 한국에 잘 갖추어진 제작 업체 형태나 장인분들의 신속하고 명쾌한 피드백은 앞서 발전시킨 아이디어를 테스트하고 작품으로 실현하는데 아주 큰 도움이 됩니다. 한국은 꽤나 엄격한 잣대와 규율을 중요시 해요. 그러다보니 우리는 신속하고 정확하게 일을 처리하는 것이 몸에 베어 있습니다. 이런 점은 프로젝트나 전시를 끌고 가는데 큰 장점으로 작용한다고 생각합니다.

What surprised me while receiving an art education in France was that they don’t start by precisely defining something. The fact that established frameworks or rules are vague means that the direction and way of thinking in developing ideas is very open. This allows you to approach things more diversely when you try to create something, both conceptually and methodologically. And in Korea, the well-established manufacturing companies and craftsmen’s quick and clear feedback is very helpful in testing and actualizing ideas I developed in the past. Korea places a lot of importance on strict standards and discipline. As a result, we’re ingrained with the idea of handling work quickly and accurately. I think this acts as a great advantage in carrying out projects and exhibitions.

Before discovering silicone tubes, you experimented with various materials like resin and acrylic. How did these early material explorations shape your current practice?

다양한 재료를 실험했던 경험은 지금의 작업 방식에 큰 영향을 미쳤습니다. 다양한 재료를 다뤄보는 과정은 단순히 기술적 숙련도를 높이는 것을 넘어, 작업을 창조하는 데 있어 요소들을 다각적으로 접목하고 응용할 줄 아는 능력을 길러주었습니다. 프랑스에서 공부하던 시절 “Matière(물질)”과 “Matériau(재료)”의 차이에 대해 심도있게 다뤘던 적이 있었는데 이것이 작업의 사고방식과 접근법에 영향을 주었습니다.

기존의 익숙해진 작업을 반복해서 하다보면 물리적 단점을 발견하게 되는데 이를 보완하기 위한 또 다른 물성을 찾게 되며, 이를 가공하는 방법을 전문가들과 논의하는 과정을 통해 새로운 가능성을 발견합니다. 처음에는 철이나 실리콘 같은 산업적인 재료를 주로 다뤘지만, 이전에는 세라믹 테크닉을 익혀보기도 하고, 이후 아크릴, 유리, 대리석, 다양한 종류의 금속, 3d 프린팅, 전통 소재 등으로 점차 확장해 나갔습니다. 이러한 확장은 단순한 실험을 넘어, 작품을 더 다채롭게 구현하고 아이디어를 확장하는 데 중요한 자원이 되었습니다. 이는 작품이 더 풍성하고 다층적으로 진화할 수 있도록 돕습니다.

My current work methods have been influenced by the experience of experimenting with various materials. The process of handling different materials not only improved my technical proficiency, but also helped me develop the ability to incorporate and apply elements from multiple angles in creating my work. While studying in France, I deeply explored the difference between “Matière” (substance) and “Matériau” (material), which influenced my thought process and approach to my work.

When you’re repeatedly doing work that you’re familiar with, you discover physical disadvantages, which leads to finding other materials to complement them, and through discussing production methods with experts, you discover new possibilities. Initially, I mainly worked with industrial materials like iron and silicone, but before that, I learned ceramic techniques and later expanded to acrylic, glass, marble, various types of metals, 3D printing, and more traditional materials. Beyond just simply experimenting, this expansion became an important resource that allowed me to create pieces more diversely and expand my ideas. This helps the piece evolve to be richer and more multi-layered.

What made you choose industrial silicone tubes as Mono’s primary material, and how does this choice play into the tactile and visual experience for your audience?

볼드하고 긴 선형의 재료를 공간 속에 자유롭게 풀어놓았을 때 느꼈던 그 압도적인 인상을 아직도 기억합니다. 강렬한 시각적 존재감과는 상반되게, 말랑한 촉감은 관객들에게 의외성과 신선함을 동시에 전달할 수 있을거라고 생각했습니다. 관객들에게 독특한 촉각적 경험을 선사할 뿐 아니라, 형태를 통해 선의 추상성과 유희를 선보일 수 있었습니다. 추상적이면서도 고정관념을 넘어서는 기능적 오브제 또는 조각을 만들고자 했습니다.

또한 소재의 물성이 유연해서 유기적인 선의 흐름을 극대화하면서도 조형적 자유를 제공합니다. 그 점이 제가 작업을 시작하고 계속해서 작품을 발전시키고 파생시키는데 큰 영향을 주었습니다.

관객들은 작품을 보며 단순히 ‘선’을 보는 것 이상으로, 그 흐름과 물질감에서 느껴지는 감각적 대조와 의외성을 경험하게 됩니다. 작품은 시각적으로 공간을 압도하는 동시에, 손으로 만져보고 싶다는 욕구를 자극하기도 하고, 그것의 기능이나 정체성에 대한 궁금증을 자아내면서 관객과의 보다 직관적인 소통을 이끌어냅니다.

I still remember the overwhelming impression I felt when I was freely arranging bold and long linear materials in a space. In contrast to their strong visual presence, I thought their soft texture would convey both unexpectedness and freshness to the audience. Not only does it provide viewers with a unique tactile experience, but it also showcases the abstractness and playfulness of lines through form. I wanted to create functional objects or sculptures that are abstract while transcending stereotypes.

Additionally, the material’s flexible properties maximize the flow of organic lines while providing sculptural freedom. This aspect really influenced how I started my work and then continued to develop and derive pieces from it.

Viewers experience more than just seeing ‘lines’ when looking at my work; they experience sensory contrasts and unexpected elements in its flow and materiality. While the work visually dominates the space, it also stimulates the desire to touch, and by arousing curiosity about its function or identity, it leads to more intuitive communication with the audience.

The Mono collection features bold and playful color choices. How do you approach selecting the palette for each piece, and what role does the surrounding space play in shaping those decisions?

색상을 선택하는 방법은 때에 따라 다양합니다. 전시에 들어가는 작품이라면 전시 주제와 분위기에 맞는 컬러를 선정하기도 하고, 브랜드와 협업한다면 그 브랜드가 자주 사용하는 키 컬러를 사용해서 브랜드 아이덴티티를 극대화 시키기도 합니다. 작품의 형태나 재질에 어울리는 컬러를 선택하기도 하고, 특정 컬러를 먼저 떠올리고 작품을 구상하기도 합니다. 또한 작품이 놓일 공간을 상상하며 그 곳에 어울리는 색상을 고르기도 하죠. 저는 작품을 만들때마다 가능하다면 작품이 놓여질 공간을 먼저 인지하고 구상하는 것을 좋아합니다. 그러면 작품이 단순히 공간을 점유하는 것이 아니라, 공간과 유기적으로 상호작용하게 되죠. 공간을 재구성하며 그 안에 새로운 역동성을 부여할 수 있다고 생각합니다. 독립된 오브제를 넘어 환경과의 조화를 이루어 내는거죠.

The way I choose colors varies depending on the situation. For exhibition pieces, I select colors that match the exhibition theme and atmosphere, and when collaborating with brands, I use their key colors to maximize their brand identity. I might choose colors that complement the piece’s form and material, or sometimes envision specific colors before conceptualizing the work. I also select colors by imagining the space where the piece will be placed. Whenever possible, I prefer to first be aware of and conceptualize the space where the piece will be placed. This way, the work doesn’t simply occupy space but interacts organically with it. I believe a piece can reconstruct the space and give it new dynamism. It’s about achieving harmony with the environment beyond being an independent object.

Rather than following furniture conventions, Mono strips away traditional elements. What discoveries emerged from this reductive approach?

처음 작업을 시작할 때, ‘앉을 수 있는 무언가’를 만들어보자는 생각에서 출발했습니다. 하지만 그것을 ‘의자’라고 단정지어 정의하지는 않았습니다. 보통 ‘의자’라는 단어를 떠올리면 네 개의 다리, 등받이, 좌판이 있는 형태가 자연스럽게 연상되잖아요. 이런 고정관념에서 벗어나 조형적으로 접근하고 싶었습니다.

선이 모여 면을 이루고, 다시 면이 흘러가며 선이 되는 형태를 탐구하다가 첫 작품이 탄생했습니다. 아치 형태의 선이 반복되는 구조적 오브제였어요. 이러한 방식으로 접근하며 Mono 시리즈를 점차 다양하게 확장할 수 있었습니다.

When I first started working, I began with the idea of creating ‘something you can sit on.’ However, I didn’t definitively define it as a ‘chair.’ Usually, when you think of the word ‘chair,’ you naturally imagine a form with four legs, a backrest, and a seat. I wanted to break free from these stereotypes and approach it sculpturally.

My first piece was born while exploring forms where lines gather to create surfaces, and surfaces flow to become lines again. It was a structural object with repeating arch-shaped lines. Through this approach, I was able to gradually expand the Mono series in a variety of ways.

While most of Mono explores flexible forms and bold colors, the glass tops introduce a different geometry and expression entirely. What inspired this juxtaposition of materials?

이것 역시 앞서 말씀드린 접근 방식과 비슷한 맥락입니다. 마치 그림을 그리듯 조형의 기본 요소인 선에 면을 접목시키며 작업이 시작되었습니다. 물성과 재질이 다른 것들을 조합하고 쌓아보며 다양한 컴비네이션을 생각했습니다. 메인 요소인 선이 강조되도록 하기 위해 면 부분에는 투명한 물성을 활용했을 뿐입니다. 투명함을 통해 선의 흐름과 구조적 아름다움을 더욱 돋보이게 하고자 했습니다. 가끔씩은 컬러 아크릴을 더해 컬러 조합을 만들기도 했습니다. 이러한 조화는 형태와 색상, 그리고 물성의 대비를 통해 독특한 균형감을 만들어냅니다.

This too follows a similar context to the approach I mentioned earlier. The work began by incorporating planes into lines, the basic elements of form, as if drawing a picture. I thought about different combinations while combining and stacking materials with different physical properties and textures. I simply used transparent materials for the surface portions to emphasize the lines, which are the main elements. Through transparency, I wanted to highlight the flow of lines and structural beauty. Sometimes I would add colored acrylic to create color combinations. This harmony creates a unique balance through the contrast of form, color, and material properties.

As you continue to experiment with new materials and forms, where do you see your practice heading next?

최근 서울 개인전에서 선보인 나전칠기 기법 일부를 차용한 작업을 앞으로도 천천히 이어가고 싶습니다. 한국 전통 공예의 정수를 담은 이 기법은 한국인으로서의 정체성과 오리지널리티를 더욱 부각시킬 수 있는 가능성을 지닌다고 생각합니다. 또한, 전통의 아름다움을 현대적인 기술과 심미성과 조화롭게 융합할 수 있다는 점에서 큰 흥미를 느끼고 있습니다.

이와 더불어, 공공미술 작품에도 도전하고 있습니다. 대형 작품을 제작하며 얻는 성취감과, 공공장소에서 시민들이 자연스럽게 예술을 가까이 접할 수 있다는 점은 공공미술의 매력 중 하나입니다.

동시에, 일상 속에서 누구나 쉽게 예술을 즐길 수 있도록 작은 규모의 오브제도 꾸준히 제작해 나갈 계획입니다. 이번 아도르노 프로젝트에서는 이러한 일상적인 예술 오브제 위주로 작품을 선정하여 참여했습니다.

I would like to slowly continue working with partially adopting the najeonchilgi (mother-of-pearl inlay) technique that I recently showcased at my Seoul solo exhibition. I believe this technique, which embodies the essence of Korean traditional crafts, has the potential to further emphasize my identity and originality as a Korean. Also, I’m very interested in how traditional beauty can be harmoniously merged with modern technology and aesthetics.

Additionally, I’m challenging myself with public art pieces. The sense of achievement from creating large-scale works and the ability for citizens to naturally encounter art in public spaces is one of the things that attracts me to public art.

At the same time, I plan to continue creating small-scale objects so that anyone can easily enjoy art in their daily lives. For this Adorno project, I participated by selecting pieces focusing on these everyday art objects.