Byungsub Kim

Steel

Seoul, South Korea

Interview

kimbyungsub.com

@kimbyungsub_

The blurry space between tradition and the contemporary world comes to life and takes shape in Byungsub Kim’s work. As much as he is a designer, he is also an artist, seen in the way he is able to take the passing of time or ambiance and translate it into something tangible using steel. Byungsub draws out new colors and textures from an otherwise rigid and common material to see it into a new light. He draws inspiration from brushstrokes in paintings, antique Korean furniture, and observations of modernity around him to create pieces that are both furniture and spaces in and of themselves.

What is your background, and what is the story of how you got into designing furniture?

제가 처음 가구에 관심을 가지게 된 것은 대학 시절입니다. 저는 국민대학교에서 공간디자인을 전공했는데 공간디자인학과에서는 가구부터 인테리어, 건축까지 공간에 대한 넓은 범위를 배울 수 있었습니다. 저는 그중 내가 누릴 수 있는 가장 작고 개인적인 공간이라는 점에서 의자의 매력에 빠지게 되었습니다. 의자는 그 자체만으로도 공간을 채우는 멋진 요소가 되지만, 앉는 순간 의자 자체가 하나의 공간으로 내가 온전히 누릴 수 있는 나만의 장소가 된다는 점이 저를 가구의 세계로 이끌었습니다. 또한 작은 부분까지 내 손으로 직접 공예적으로 완성할 수 있다는 점이 제가 계속 가구를 디자인하고 만들어내는 계기가 되었습니다.

I first became interested in furniture when I was in college, l where I majored in spatial design at Kookmin University. In the spatial design department, I was able to learn a wide range of things about space, from furniture to interior design and architecture. During that time, I fell in love with the idea of a chair because it was the smallest and most personal spatial object I could enjoy. On its own, it’s a wonderful object that fills a space, but the moment you sit down, the chair itself becomes a space that you can enjoy, and this experience is what led me to the world of furniture. Along with this, being able to craft even the smallest details with my own hands motivated me to continue designing and making furniture since then. 

You have a background in spatial design and often take on spatial design projects along with designing furniture. How do you think this influences your approach to designing furniture?

제가 처음 가구에 관심을 가지게 된 것이 공간을 공부하며 시작된 것이기 때문에 공간과 가구가 서로 큰 영향을 끼치고 있습니다. 가구는 공간을 채우는 요소이기도 하지만 그 자체로 영역을 가지고 있는 하나의 공간이기도 합니다. 그래서 때로는 가구를 통해 누릴 수 있는 공간을 상상하며 디자인하기도 하고 반대로 넓은 공간을 전시장이라 상상하며 가구를 하나의 작품처럼 전시하기도 합니다.

Since my first interest in furniture began through studying spaces, I see space and furniture as being very influential to each other. Furniture is an element that fills a space, but it is also a space that has its own domain. So sometimes, I design by imagining a space that can be enjoyed through the furniture, and on the other hand, I sometimes imagine a large space as an exhibition hall and display the furniture as if it were a piece of art.

One of the main materials you use in your work is metal. What initially drew you to metal, and what do you like about working with it?

철은 산업재료 중 하나로 구조적인 특징을 가지면서도 공예적인 접근이 가능하다는 매력이 있습니다. 무엇보다 스테인리스, 알루미늄, 구로판 등 같은 철끼리도 다 각자 다른 색감과 빛깔을 내는 점이 매력적인데요, 저는 여기서 더 나아가 현대적인 산업재료인 철을 한국의 전통 고가구의 일부나 전통공예품과 결합해서 이질적인 매력을 찾아내기도 하고 철을 부식시키며 생기는 패턴을 찾아내며 철을 새로운 관점으로 바라보고 활용하는 시도를 하고 있습니다.

Metal is a material that is often used industrially and has the appeal of having structural characteristics while allowing for a crafty approach. Above all, it is an attractive material where its different kinds, such as stainless steel, aluminum, and copper, all have different colors and hues. I wanted to take this further, so I often combine this modern industrial material with elements of Korean antique furniture or traditional crafts to create a heterogeneous charm. By discovering the patterns that appear when metal is corroded, I am attempting to view and utilize this material from new perspectives.

How important is it that what you make is handmade? Do you create everything yourself, or do you work with other people to create different parts and assemble them?

철을 부식시키거나 갈아내는 등 마감 작업은 직접 손으로 마무리하고 구조를 만들고 용접하는 등의 작업은 을지로의 공업사 장인분들과 소통하며 맡겨서 진행하고 있습니다. 사회가 빠르게 발전할수록 공예나 수작업의 가치가 무시되는 경향이 있는데 서울의 중심에 이렇게 쉽게 찾아가서 소통하며 가구를 제작할 수 있는 공장이 있다는 것은 저와 한국에서 활동하는 디자이너, 작가들에게 큰 도움이 됩니다. 저는 산업적인 재료를 다루더라도 공예 정신을 이어받아 장인분들과 소통하고 또 직접 작은 부분까지 마감하며 가구를 제작하고 있습니다. 최근에는 이탈리아의 전통 공예방식인 모자이크 공예 장인과 협업하여 장식장을 만드는 등 더 넓은 범위의 공예를 배워나가는 중입니다.

For things like corroding or grinding the material or other finishing touches, I always do them by hand. Work that’s related to creating the structures and welding is done by working with industrial artisans in Euljiro. As society develops rapidly, the value of crafts and handiwork tends to be ignored, but having a factory in the center of Seoul where you can easily visit, collaborate, and make furniture is a great help to me and other designers in Korea. Even though I work with industrial materials, I maintain the spirit of craftsmanship by communicating with the artisans and personally finishing even the smallest details that go into the furniture. Recently, I have been learning a wider range of crafts, such as the traditional Italian craft of making decorative cabinets by collaborating with mosaic artisans.

Take us through the process of creating the Umber Blue series. What did the process look like and what kinds of methods did you use when creating it? 

Umber Blue 시리즈는 냉연강판(CR steel : Cold Steel Sheet) 의 코팅을 갈아내고 구리용 흑색산화제인 에보놀C (Ebonol-C) 용액을 사용하여 철을 산화 부식시켜 부식된 시간의 흐름을 철에 착색시키는 작업입니다. 산화된 철은 부식이 된 정도에 따라 푸른색부터, 흑색, 노란색, 적색 오묘한 빛깔을 만들어냅니다.

The Uber Blue series involves grinding the coating of CR steel (Cold Steel Sheet) and using Ebonol-C solution, a black oxidizing agent for copper, to oxidize and corrode the material. By doing this, the material is colored in the way the solution corrodes the material as time passes. The oxidized steel produces subtle colors, such as blue, black, yellow, and red, depending on the degree of corrosion.

We really love the look of the patina in your designs in this series. What was the idea behind it and what techniques do you use to achieve the look you had intended?

철의 부식을 활용한 다양한 색은 한국의 회화작가인 윤형근으로부터 영감을 받아 제작되었습니다. 윤형근 작가의 청다색 시리즈의 붓질에서 느낄 수 있는 시간의 켜와 정취를 저의 작품 세계에 적용하기 위해 철을 부식시키는 방식을 사용했습니다. 다양하고 오묘한 색들은 부식 용액의 농도, 바르는 시간 등을 조절하여 만들어집니다.

Creating the look of various colors using steel corrosion came out of inspiration from Korean artist Yun Hyong-keun. I used the method of corroding steel so that the passage of time and mood that’s felt in the brush strokes of artist Yun Hyong-keun’s Burnt Umber & Ultramarine Blue series could be depicted in my world of work. A variety of mysterious colors can be created by adjusting the concentration of the solution and the amount of time it is applied.

Could you also take us through the process of creating the Narrative series? What was the initial inspiration and idea?

Narrative 시리즈는 제가 27년 살아오며 바라본 서울의 모습에서 영감을 받아 시작되었습니다. 늘 자연스럽게 봐왔던 서울의 모습은 고층빌딩 숲 사이로 전통 궁궐이 있고 지하철에서 국악이 들리는 것처럼 전통과 발전된 현대의 모습이 이질적으로 병치 되어있는 모습이었는데요, 이렇듯 가장 발전이 빠르고 유행에 민감하며 미래적인 도시의 모습 속에서 전통의 모습을 갖춘 것들이 툭툭 놓여서 어우러지는 모습을 가구 작품으로 표현한 것이 Narrative 시리즈입니다. 작품은 살아오면서 자연스레 생긴 미감을 표현하고자 하여 금방 작품의 이미지가 떠올라 제작하기도 하고 매력적인 고가구나 폐가구를 발견해서 여기에 현대적 모습을 덧붙여가며 천천히 작품을 발전시켜 나가기도 합니다.

The Narrative series began with inspiration from the images of Seoul I had seen over the past 27 years. The appearance of Seoul, which I have always seen naturally throughout my life, is a heterogeneous juxtaposition of tradition and modernity. This is seen in the way traditional palaces exist amidst a forest of high-rise buildings and traditional Korean music is played in the subways. The Narrative series expresses through furniture the way traditional things are placed here and there and harmonized within a rapidly developing, trend-sensitive, and futuristic city. I try to express the sense of beauty that comes naturally to me throughout my life in my work, so at times I will create a piece as soon as the image of it comes to mind, and other times I will take attractive old or discarded furniture and add a modern look to it, slowly developing the piece.

In a lot of your work, we see both modern and traditional elements in both the materials and shape. Could you tell us more about this?

제가 전통적인 요소를 계속 사용하는 것은 전통의 계승이나 한국 전통의 표현이라기보단 제가 바라봐온 서울의 모습과 자연스레 생긴 미감의 표현에 가깝습니다. 때로는 저에게 철이 더 친숙하고 전통 공예품이 새롭고 신선하게 느껴질 때가 많이 있어요. 저에게 전통이 새롭게 느껴지는 한 계속 이런 요소들을 가져와 작품활동을 할 것 같습니다.

My continued use of traditional elements is not necessarily a continuation of tradition or an expression of Korean tradition, but rather an expression of the appearance of Seoul as I have seen it and the aesthetic sense that arose naturally. Sometimes steel is more familiar to me and traditional crafts will often feel new and fresh. As long as tradition feels new to me, I will continue to bring these elements to my work.

Your work is also very strict in its geometry and form. What draws you towards these lines in your pieces?

제가 사용하는 작품의 요소들(철, 공예품, 고가구, 패턴 등)이 이미 그 자체로 강력한 조형적 힘을 가지고 있다고 생각해서 형태에서는 힘을 빼고 비율과 비례만 고려하는 편입니다. 형태에서 보이는 힘을 줄이고 그 안에 있는 질감, 재료, 패턴이 관객에게 전달되기를 의도합니다.

I believe that the elements I use in my work (steel, handicrafts, antique furniture, patterns, etc.) already have strong formative power in themselves, so I tend to try to relax the form and focus on considering ratio and proportion. The intention is to reduce the emphasis on the form and convey the textures, materials, and patterns within it to the audience.

You mentioned Yun Hyong-keun’s artwork being an inspiration for you. What is your relationship to art and how does it play into your work?

좋은 작품은 오감을 모두 자극한다고 생각합니다. 제가 처음 윤형근 작가의 청다색 작품을 보았을 때 저는 웅장한 소리가 들리는듯한 경험을 했는데요, 저도 이런 예술에서 얻는 강렬한 감상을 작품에 녹여내려고 합니다. 공간을 디자인할 때도 사람들의 동선이 캔버스의 붓질이라 생각하며 공간을 흰 캔버스로 바라보고 디자인하기도 하고요. 특히 한국에서는 가구를 예술이나 작품보다는 실용적인 “물건”(tool)의 개념으로 여기는 경우가 많은데 제가 물건과 작품의 미묘한 경계에서 새로운 가능성을 제시해 보고 싶습니다.

I believe that good works stimulate all of your senses. When I first saw Yun Hyong-keun’s Burnt Umber & Ultramarine Blue work, I had the experience of hearing a grand sound, and I wanted to convey the strong impression I got from this kind of art into my work. When designing a space, I think of people’s movements as brush strokes on a canvas and look at the space as a white canvas when designing. Especially in Korea, furniture is often viewed as a practical tool rather than art or work, but I would like to suggest new possibilities in the subtle boundary between tools and design pieces.

What are some other things outside of design and art that influence you?

다양한 곳에서 만나는 사람들과 나누는 대화에서 에너지와 영감을 얻고는 합니다. 각기 다른 경험을 가지고 살아온 사람들과 대화를 나누고 새로운 시각으로 세상을 보게 되면 세상을 바라보는 관점이 조금씩 넓어지는 경험을 하게 됩니다. 이런 시간이 제 작품 세계에도 영향을 끼치고 또 새로운 시도를 하게 되는 에너지를 주기도 합니다.

I get energy and inspiration from conversations with people I meet in various places. When you talk to people who have had different experiences and see the world from a new perspective, your perspective on the world gradually expands. This kind of time also affects my work and gives me the energy to try new things.

We have seen a lot of new and interesting design work coming from Korean designers recently. What do you think makes Korean furniture design unique?

과거의 한국의 아트퍼니처 시장이 작고 가구를 구매하고 실용적으로 사용하는 경향이 강했다면, 최근 몇 년간 한국에도 아트퍼니처에 관한 다양한 전시가 열리고 사람들의 인식이 바뀌고 있어요. 이에 따라 재능있는 디자이너, 공예가, 예술가들의 가구 영역 안에서 서로 좋은 영향을 주고받으면 함께 시장을 키워나가고 있는 초기 단계에 있는 것이 재미있는 시도를 많이 할 수 있는 원동력이 된다고 생각합니다.

In the past, Korea’s art furniture market was small and there was a strong tendency to purchase furniture for only practical purposes, but in recent years, various exhibitions on art furniture have been held in Korea and people’s perceptions are changing. Accordingly, I believe that if talented designers, craftsmen, and artists influence each other positively in these early stages of growing the market of furniture design together, it will become a driving force in trying many things.